Acoso implacable (1986) – Un rugido de motores y deseo en el páramo del ozploitation

Textura fílmica: Acoso implacable (1986)
Un rugido de motores y deseo en el páramo del ozploitation

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Hay películas que no se explican; se sudan, se huelen, se arrastran por la retina como una tormenta de polvo rojo y aceite quemado. Acoso implacable (1986), ese fragmento febril del cine ozploitation, no es una obra para la razón, sino para el instinto. Como un cuchillo oxidado que danza al sol del mediodía, esta cinta no busca sutileza sino impacto: lo sensorial prima sobre lo psicológico, el gesto sobre la palabra, y el movimiento sobre la lógica.

La textura: cuero, metal y piel sudada

La textura fílmica de Acoso implacable es un tejido áspero, hecho de polvo, gasolina, cuerpos en tensión y un calor que parece salir del propio celuloide. Hay un tacto visual que recuerda al cuero viejo, agrietado por el sol, y a la piel quemada por el deseo y el miedo. Las imágenes están impregnadas de una sensualidad sucia, donde lo erótico y lo salvaje no se excluyen, sino que se alimentan mutuamente. Como en los mejores fragmentos de Mad Max (el primo mítico al que esta cinta nunca deja de mirar de reojo), el desierto australiano deja de ser paisaje para convertirse en personaje: inmenso, opresivo, masculino hasta el delirio.

El cuerpo femenino –único oasis en esta maquinaria testosterónica– es filmado con una mezcla inquietante de veneración y amenaza. La protagonista, que podría ser una diosa vengadora o una presa indefensa según el plano, se mueve entre los códigos del slasher y del thriller de carretera, pero también introduce un hálito de ambigüedad erótica que rompe con el maniqueísmo habitual del género. No es casual que la cámara la observe con un deseo que parece cambiar de ojos: a veces es el perseguidor quien mira; otras, el propio espectador, convertido en cómplice incómodo de ese acoso que el título proclama con brutal franqueza.

El lenguaje cinematográfico: velocidad, encuadre y montaje salvaje

Desde su sintaxis visual, Acoso implacable apuesta por un lenguaje de corte brutalista: planos cerrados sobre rostros sudorosos, travellings que se desbocan como los vehículos que retratan, cortes secos que fragmentan el espacio en choques de significación. El film no busca la armonía sino la tensión constante. Su cámara no flota, embiste. No se desliza, colisiona. El montaje corta como una hoja de afeitar, y en esa violencia del ritmo reside parte de su eficacia expresiva.

La relación entre el cazador motorizado y la mujer acosada se construye a través de un juego de miradas, posiciones y distancias. Aquí el lenguaje fílmico se vuelve primario y simbólico: la carretera es el campo de batalla, el vehículo la extensión fálica de la dominación, y la cámara, un testigo nervioso que nunca toma partido, pero tampoco se detiene. El uso del espacio abierto como cárcel emocional es uno de los mayores logros de la película: no hay muros, pero sí asfixia.

Lo que se quiebra: el guion y sus sombras

Donde la película pierde fuerza es en la arquitectura narrativa. Como una máquina sin freno, Acoso implacable acelera sin preguntarse demasiado hacia dónde va. Las situaciones se repiten, el conflicto se estanca, y ciertos diálogos resbalan en lo caricaturesco, debilitando el peso simbólico que el relato exige. Si bien la confrontación entre el macho depredador y la mujer resistente es potente en lo icónico, el desarrollo dramático a veces se diluye entre persecuciones que se repiten sin variación o clímax que llegan demasiado pronto.

Sin embargo, incluso en sus fallos, la película mantiene una coherencia tonal. Su torpeza narrativa no niega su potencia expresiva. Como un garabato trazado con rabia sobre una pared, tiene más verdad en su desorden que muchas obras pulidas.

Subtexto y simbolismo: el eco del machismo ancestral

En su núcleo, la película articula una parábola brutal sobre el patriarcado más arcaico. El cazador anónimo –reducido casi a icono sin rostro– no es un personaje, sino un espectro de la violencia de género, un tótem del dominio masculino ejercido por el puro placer de poseer y destruir. Frente a él, la protagonista encarna no tanto una víctima como una figura de resistencia, de evolución. Su cuerpo corre, se esconde, lucha. Pero también aprende. La belleza aquí no es solo objeto de deseo, sino campo de batalla.

La película no es feminista en sus intenciones, pero sí lo es, tal vez, en su lectura. Porque mientras el perseguidor representa un pasado brutal e inmutable, ella encarna la posibilidad de un futuro diferente. No hay redención para él; solo hay huida para ella. Y en ese desplazamiento hay una forma de liberación.

Conclusión: entre la furia y el erotismo, una balada oxidada del desierto

Acoso implacable no es una obra maestra, pero sí una experiencia visual y sensorial que merece ser reivindicada. Un eslabón polvoriento en la cadena del ozploitation, donde el cine se vive con el cuerpo antes que con la mente. Su lenguaje visual –crudo, urgente, cargado de energía cinética– la convierte en una pieza valiosa dentro del cine de género de los años ochenta, especialmente por su modo de articular el deseo y la violencia como dos caras de un mismo impulso.

Es un poema sucio sobre la supervivencia, una fábula tóxica que arde bajo el sol australiano, donde la belleza femenina se enfrenta a la bestia motorizada sin más arma que su presencia, su dignidad y su voluntad de no rendirse. Y a veces, eso basta para que el cine, aun en su forma más salvaje, encuentre poesía.