Hubo un momento en la historia del videojuego en que una marca dejó de ser simplemente una marca comercial para convertirse en un lenguaje común, en una palabra que trascendía su significado original para fundirse con la propia identidad del medio. No se decía «tengo una consola», sino «tengo una Play», del mismo modo que ciertas marcas terminan apropiándose del objeto que representan hasta convertirse en sinónimo de él. Aquella Sony que irrumpió en los años noventa y alcanzó su cénit creativo durante las generaciones de PlayStation y PlayStation 2 no era únicamente una fabricante de hardware ni una empresa tecnológica que competía por cuotas de mercado. Era una gigantesca usina de imaginación interactiva que parecía convencida de que el videojuego podía ser cualquier cosa y abarcar cualquier sensibilidad artística, comercial o experimental imaginable. Su ambición no consistía únicamente en liderar la industria, sino en expandir constantemente las fronteras de lo que una consola podía ofrecer.
Mirar hoy aquella época produce una sensación casi irreal, como si contempláramos una fotografía de una civilización desaparecida. La industria actual continúa generando grandes obras, pero el ecosistema creativo que rodeaba a la PlayStation clásica parece pertenecer a otro tiempo, a una era en la que los videojuegos crecían en todas las direcciones simultáneamente y donde las grandes compañías todavía estaban dispuestas a apostar por ideas imprevisibles, géneros minoritarios, propuestas arriesgadas y proyectos que difícilmente podrían justificarse hoy ante una hoja de cálculo. Mientras buena parte del sector contemporáneo se ha concentrado alrededor de un reducido número de franquicias gigantescas y desarrollos que requieren ciclos de producción cercanos a una década, aquella Sony parecía alimentarse precisamente de la abundancia, de la variedad y de la convicción de que el videojuego debía sorprender constantemente para seguir avanzando.
El reino de la abundancia
La Sony clásica operaba bajo una filosofía empresarial radicalmente distinta a la que domina la industria moderna. No necesitaba que cada lanzamiento vendiera decenas de millones de unidades para justificar su existencia ni exigía que cada proyecto se transformara en una saga capaz de sostenerse durante veinte años. Su estrategia consistía en poblar el mercado de imaginación, construir un catálogo tan amplio y diverso que cualquier jugador pudiera encontrar dentro de él un rincón que sintiera propio. Mientras otras compañías organizaban cuidadosamente un pequeño conjunto de marcas principales, Sony parecía actuar como una inmensa constelación de estudios que exploraban territorios creativos completamente distintos entre sí. La sensación que transmitía era la de una empresa que no intentaba descubrir cuál era la fórmula perfecta del éxito, sino multiplicar las posibilidades hasta el infinito.
Un mismo catálogo podía reunir en pocos meses:
- Jak and Daxter
- Ratchet & Clank
- Sly Cooper
- ICO
- Shadow of the Colossus
- Twisted Metal
- Wipeout
- SOCOM
- The Getaway
- Killzone
- Syphon Filter
- Ape Escape
- LocoRoco
- Patapon
- Everybody’s Golf
- MotorStorm
- Resistance
- Warhawk
- Heavenly Sword
- Folklore
- Puppeteer
- Tokyo Jungle
La simple enumeración de nombres ya transmite una idea que hoy parece extraordinaria: todos esos juegos coexistían bajo una misma marca y respondían a sensibilidades completamente diferentes. Algunos aspiraban a redefinir el medio. Otros buscaban simplemente divertir durante unas horas. Algunos eran enormes producciones comerciales. Otros parecían experimentos imposibles surgidos de una reunión especialmente inspirada. Sin embargo, todos encontraban espacio dentro del ecosistema PlayStation porque Sony comprendía que la fortaleza de una plataforma no dependía únicamente de sus grandes éxitos, sino también de la riqueza y diversidad de su biblioteca.
Una consola para todos los géneros
Lo verdaderamente fascinante de aquella PlayStation era que se negaba a aceptar la existencia de géneros secundarios. En una época en la que muchas compañías especializaban su identidad alrededor de unas pocas categorías dominantes, Sony parecía convencida de que todos los estilos de juego merecían atención, recursos y visibilidad. El mismo fabricante que publicaba una simulación automovilística obsesionada con el realismo podía lanzar simultáneamente una aventura poética y minimalista, un plataformas colorista, un juego musical, un arcade frenético o una experiencia multijugador experimental. No existía una única identidad reconocible porque precisamente la identidad de PlayStation consistía en la variedad.
Mientras Gran Turismo elevaba la simulación automovilística a niveles de prestigio impensables pocos años antes, Parappa the Rapper demostraba que seguir ritmos musicales podía convertirse en una experiencia universal. Mientras Metal Gear Solid redefinía la narrativa cinematográfica dentro del videojuego, Ape Escape transformaba los sticks analógicos en una herramienta revolucionaria para capturar monos fugitivos. Mientras ICO exploraba la melancolía, el silencio y la fragilidad emocional mediante una sensibilidad artística inédita para la época, Twisted Metal abrazaba el caos absoluto y convertía la destrucción automovilística en un carnaval posapocalíptico. La sensación permanente era que PlayStation no intentaba dirigir al jugador hacia una única forma de entender el medio, sino abrir ante él un abanico de posibilidades casi infinito.
Los E3 de la imaginación infinita
Ninguna compañía dominó el espectáculo del E3 como la Sony clásica. Aquellas conferencias no eran simples presentaciones corporativas ni sucesiones de anuncios cuidadosamente calculados para satisfacer a inversores y accionistas. Eran auténticos acontecimientos culturales que concentraban la atención de millones de jugadores en todo el mundo y que transmitían una sensación de expectativa difícil de explicar a quienes no la vivieron. Cada año parecía existir la posibilidad real de descubrir una nueva franquicia legendaria, un nuevo género, una nueva forma de jugar o una nueva visión del futuro del entretenimiento interactivo.
Mientras hoy muchas presentaciones se sostienen sobre un número reducido de superproducciones que monopolizan la atención durante años, Sony construía sus conferencias como festivales de creatividad donde los anuncios parecían sucederse sin descanso. En una misma conferencia podían aparecer títulos como:
- Jak II
- Ratchet & Clank
- SOCOM
- Killzone
- Gran Turismo
- God of War
- Shadow of the Colossus
- MotorStorm
- Resistance
- LittleBigPlanet
- Heavy Rain
- Journey
- The Last Guardian
A todo ello se sumaban exclusividades third party, proyectos japoneses inesperados, acuerdos sorprendentes y nuevas propiedades intelectuales que convertían cada conferencia en una celebración de lo desconocido. El espectador tenía la sensación de que cualquier cosa podía ocurrir en cualquier momento y de que el futuro del videojuego se encontraba permanentemente en construcción.
El milagro de PlayStation 2
Quizá ninguna máquina represente mejor aquella filosofía que PlayStation 2. A menudo se afirma que conquistó el mercado gracias a la popularización del DVD, pero reducir su éxito a una cuestión tecnológica supone ignorar lo verdaderamente importante. PlayStation 2 se convirtió en la consola más vendida de la historia porque logró transformarse en un universo completo, en una biblioteca tan inmensa y diversa que parecía imposible recorrerla en su totalidad. Dentro de ella convivían obras maestras absolutas, experimentos japoneses inclasificables, producciones modestas, arcades extravagantes, RPG monumentales y aventuras imposibles de etiquetar.
Era posible pasar de God of War a Katamari Damacy, de Gran Turismo 4 a Okami, de Shadow of the Colossus a Amplitude, de Jak 3 a Rule of Rose o de Dark Cloud a Rogue Galaxy sin abandonar jamás el mismo ecosistema. Cada nuevo viaje a una tienda de videojuegos suponía la posibilidad de descubrir algo completamente distinto a lo que habíamos jugado la semana anterior. La consola transmitía una sensación de riqueza creativa tan abrumadora que incluso hoy resulta difícil encontrar un equivalente moderno.
La era de los periféricos imposibles
La Sony clásica poseía además una cualidad que con el paso de los años se ha vuelto extraordinariamente rara: disfrutaba experimentando. No concebía el videojuego como una fórmula cerrada que debía repetirse indefinidamente, sino como un territorio en permanente expansión donde todavía quedaban innumerables caminos por explorar. EyeToy transformó una simple cámara en un fenómeno social cuando la idea de controlar juegos con el movimiento todavía parecía ciencia ficción. Buzz convirtió los concursos televisivos en experiencias familiares multitudinarias. SingStar llenó salones enteros de personas cantando frente al televisor. Wonderbook intentó acercar la realidad aumentada al público doméstico mucho antes de que la tecnología estuviera plenamente madura.
Lo más admirable no era que todas aquellas propuestas triunfaran, sino que existieran. Algunas tuvieron éxito, otras desaparecieron rápidamente y muchas quedaron como curiosidades históricas, pero todas nacieron de una cultura empresarial que comprendía que innovar implica aceptar el riesgo del fracaso. Sony parecía entender que una industria que deja de experimentar termina inevitablemente repitiéndose.
Cuando Sony sorprendía constantemente
Lo que hacía verdaderamente especial a aquella PlayStation no era únicamente la calidad de sus juegos, sino la imposibilidad de anticipar qué llegaría después. Las sorpresas podían surgir de Naughty Dog, de Japan Studio, de Team ICO, de Evolution Studios, de Liverpool Studio, de Guerrilla Games, de Media Molecule o de cualquier otro rincón de una estructura creativa gigantesca que funcionaba como una galaxia de talentos interconectados. Cada año aparecían nuevas franquicias, nuevos héroes, nuevos mundos y nuevas mecánicas que ampliaban la definición misma de videojuego.
La sensación predominante era que PlayStation no seguía tendencias, sino que las creaba. Cada generación añadía nuevos géneros, nuevas licencias y nuevas formas de jugar, alimentando la percepción de que la marca se encontraba siempre un paso por delante del resto de la industria. El jugador no compraba únicamente una máquina; compraba la promesa de que durante los próximos años sería testigo de algo que todavía no existía.
La consola que se convirtió en cultura
Quizá por eso la nostalgia hacia aquella Sony continúa siendo tan intensa décadas después. Lo que muchos jugadores recuerdan no son únicamente videojuegos concretos ni una lista de grandes éxitos acumulados a lo largo de varias generaciones. Lo que permanece en la memoria es una filosofía creativa que entendía el videojuego como un territorio inmenso, exuberante y todavía inexplorado, una filosofía que apostaba simultáneamente por las superproducciones espectaculares, por los proyectos experimentales, por los títulos familiares, por los juegos de nicho y por las ideas aparentemente imposibles. Aquella PlayStation no dominó el mercado únicamente porque produjera grandes obras, sino porque consiguió transmitir la sensación de que cualquier género, cualquier concepto y cualquier sueño creativo podían encontrar un hogar bajo su logotipo.
Por eso millones de personas terminaron utilizando la palabra PlayStation para referirse a cualquier consola, incluso cuando no estaban hablando de una máquina fabricada por Sony. Había dejado de ser una marca para convertirse en una idea cultural, en un símbolo de una época en la que el videojuego parecía avanzar a una velocidad vertiginosa y donde cada nuevo E3, cada nueva revista especializada y cada visita a una tienda podían revelar una decena de mundos inesperados. Aquella Sony convirtió el asombro en una estrategia, la variedad en una filosofía y la imaginación en su principal seña de identidad. Y precisamente por eso, cuando muchos aficionados evocan la edad dorada de PlayStation, no recuerdan únicamente una consola extraordinaria: recuerdan una época irrepetible en la que parecía que todo era posible.
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