Del Bad al beat barato: la caída libre de la producción musical en 40 años

Hubo un tiempo —y no es una frase hecha— en que un disco no era solo un conjunto de canciones, sino un objeto artístico total. A finales de los años 80, cuando Michael Jackson lanzaba Bad, el mundo escuchaba no solo a un intérprete en estado de gracia, sino el fruto de una producción meticulosa, quirúrgica y exuberante, comandada por el maestro Quincy Jones.
Cada compás, cada coro, cada nota de bajo había pasado por horas de estudio, por decenas de oídos expertos, por un proceso donde la perfección era el mínimo aceptable. Se grababa en estudios equipados como templos, con ingenieros que afinaban frecuencias como si fueran relojeros suizos, y músicos de sesión cuya maestría rozaba lo sobrenatural.

Avancemos cuatro décadas y aterricemos en el presente. Lo que encontramos es un panorama donde la inmediatez ha devorado la excelencia. Muchos de los éxitos del reguetón, trap o pop de radio actual nacen en un portátil, con un programa de edición estándar, un par de plugins y, últimamente, hasta con líneas melódicas y letras generadas por inteligencia artificial.
La producción musical se ha democratizado, sí, pero a costa de aplanar el terreno hasta que la sofisticación ha quedado sepultada bajo beats repetitivos, autotune omnipresente y letras que, en su simplicidad, parecen escritas para durar menos que un trending topic.

No es un problema de género, sino de ambición. Antes, un productor como Quincy Jones era un arquitecto sonoro que construía catedrales; hoy, muchos “productores” son operarios que ensamblan casetas prefabricadas. La riqueza armónica, la experimentación tímbrica y la tensión dramática que definían los discos icónicos han sido sustituidas por patrones rítmicos intercambiables y fórmulas de consumo rápido.

En apenas 40 años, hemos pasado del brillo sinfónico de un Bad —donde cada canción es un universo independiente— a la homogeneidad monocromática de hits que suenan idénticos en cualquier parte del mundo.
El arte de producir música se ha vuelto una cadena de montaje sin alma, y lo peor es que el público, acostumbrado a la baja resolución sonora, ya no exige más.

Quincy Jones decía que la producción es el arte de hacer invisible el esfuerzo. Hoy, por desgracia, el esfuerzo ya ni siquiera está invitado al estudio.

De la orfebrería sonora al copy-paste: comparaciones que duelen

Si comparamos ciertos discos emblemáticos de los 80 con éxitos actuales, la diferencia no solo se siente, se mide.

🎵 Bad – Michael Jackson (1987) vs. Despacito – Luis Fonsi ft. Daddy Yankee (2017)

• Producción de Quincy Jones en Bad:
  • Grabado en estudios de élite como Westlake Studios (Los Ángeles), con mesas de mezcla analógicas SSL y Neve.
  • Uso de orquestaciones reales, coros grabados en múltiples capas y arreglos que combinaban sintetizadores Yamaha DX7 con guitarras funk y metales reales.
  • Dinámica amplia: los silencios y cambios de intensidad son parte de la narrativa.
• Producción de Despacito:
  • Creada en estudio pequeño con DAW digital estándar.
  • Base rítmica programada, sin variaciones significativas en la percusión durante todo el tema.
  • Armonía mínima (apenas 4 acordes en bucle), dependiente casi por completo de la voz principal y el ritmo.

🎵 Like a Prayer – Madonna (1989) vs. Tusa – Karol G & Nicki Minaj (2019)

• Madonna:
  • Grabaciones con músicos de sesión, coros góspel auténticos y producción a cargo de Patrick Leonard.
  • Arreglos dinámicos con cambios de tonalidad y puentes instrumentales.
  • Uso de técnicas de reverb natural y masterización analógica que da profundidad.
• Karol G & Nicki Minaj:
  • Base trap con percusión y hi-hats en patrón repetitivo.
  • Todo el espacio sonoro centrado en voces procesadas digitalmente con autotune.
  • Sin instrumentación real, ni puentes o variaciones melódicas significativas.

🎵 Brothers in Arms – Dire Straits (1985) vs. Tití Me Preguntó – Bad Bunny (2022)

• Dire Straits:
  • Producción de Mark Knopfler con uso magistral de guitarras limpias, batería acústica y sintetizadores atmosféricos.
  • Canción construida con progresión armónica que evoluciona a lo largo de seis minutos.
  • Grabado en los AIR Studios de Montserrat, con mezcla que captan el aire y deja espacio entre instrumentos.
• Bad Bunny:
  • Base digital minimalista creada con loops.
  • Mezcla muy comprimida para volumen máximo en streaming.
  • Elementos sonoros planos sin profundidad estéreo.

📉 Conclusión técnica:
En los 80, la producción buscaba llevar al oyente de viaje: cada canción era un escenario distinto, con texturas, dinámicas y narrativa. Hoy, gran parte de la música comercial se basa en fórmulas repetidas, compresión excesiva y reducción armónica, sacrificando la complejidad en nombre de la inmediatez y la viralidad.

En resumen: hemos pasado de escuchar discos como quien contempla una catedral barroca, a consumir música como quien abre un pack de comida rápida.

Tabla comparativa: producción musical icónica de los 80 vs éxitos digitales del siglo XXI

Un vistazo a la realidad del espectro sonoro

El espectrograma arriba revela diferencias fundamentales:

• En los años 80, la música exhibía dinámicas amplias, texturas variadas y riqueza armónica.
• En éxitos actuales, las frecuencias tienden a comprimirse, los patrones se repiten y la profundidad armónica se reduce — un reflejo técnico de la monotonía creativa.

Conclusión: de catedrales sonoras a fábricas de beats

La comparación muestra que en apenas 40 años hemos pasado de obras de arte sonoro —cuyo proceso se prolongaba y pulía como una escultura de precisión— a producciones diseñadas para explotar algoritmos y consumo instantáneo. Lo que una vez fue delicado craftsmanship, hoy es a menudo música predecible y patas cortas, creada para enganchar, no para emocionar.